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Arte France Moves to Open French Series to International
Arte France, a bastion of quality European TELEVISION, is seeking to make its French series ever less French, as it combines its position as one of Europe’s many internationally-minded TELEVISION operators.
Early fruit of that drive, “No Man’s Land,”– “in microcosm, and in a thriller format, what we’re trying to do in general,” Olivier Wotling, Arte France’s head of drama, informed Range — was chosen for main competitors at Series Mania. Had the TELEVISION celebration occurred in Lille, it would surely have been a strong competitor for its best series reward.
” No Man’s Land’s” primary stars are French: Félix Moati, who plays initially dapper Parisian building and construction engineer Antoine, and Melanie Thierry. A lead producer is most certainly French, Paris-based Haut et Court, the reputed manufacturer of “Les Revenants,” “The Last Panthers” and “The New Pope.”
However Antoine’s journey is definitely not as, not able to proceed from his sis’s presumed death in a 2012 Cairo terrorist attack, four years later he glimpses her, or two he believes, in TELEVISION video of the Kurdish YPG militia.
Finding out the female figure on TV is French, he flies on impulse to Turkey, gets over the border into Syria where the series opens up to uncharted territory for Antoine and viewers alike, as he finds a desperate war waged by the Kurds versus ISIS, where it’s women who are frontline soldiers– given the Islamic belief that a male eliminated by a lady might have a difficult time getting to paradise.
A geo-political eye-opener– an event trend in high-end European production– “No Man’s Land” is likewise among Arte France’s many worldwide productions to date, taking in as production partners, Haut et Court TV, Israel’s Masha Production and Spiro Films, the U.K.’s Fremantle, and Hulu in the U.S. The authors are from Israel, Amit Cohen and Ron Leshem, the stars from France, Switzerland and the U.K.
This, said Wotling, is one way most absolutely for Arte to go.
” The interesting thing for us is the crossing of the cultures and the numerous loops in between countries,” said Wotling.
So “No Guy’s Land” is “an intimate story about 2 main French characters, however based in a Middle East conflict and from Israeli authors and directors, linking actors from various countries,” he added.
Uncharted area and uncommon settings is ending up being, ever more, a hallmark of Arte France. Produced with Movistar Plus and Portocabo in Spain and France’s Atlantique Productions, “Hierro” is set on the westernmost of the Canary Islands. Its volcanic-hued landscape and wind-bent trees, recorded in a near surreal credit series, stand metaphor for the inner torture and strength of its characters.
In its early stretches, 2019 Series Mania competitors competitor “Eden,” an Arte France co-production with SWR Germany, unspools at an elegant white-hut encampment bordering a deep meridian blue Mediterranean sea, fruit of an economic sector investment into refugee aid. It looks too good to be true, and it is.
Pierre MARSAUT
In Scandinavia, Wotling mentioned, Arte is now targeting not just its foremost powerhouses of Sweden and Denmark, co-producing TV Denmark’s brand-new crime drama “DNA,” created and written by Torleif Hope, head author on “The Killing.”
It is also partnering with lesser known production hubs such as Iceland backing Gisli Orn Garðarsson and Björn Hlynur Haraldsson’s “Blackport,” which lifts the cover on Iceland’s fishing market.
Recently, kept in mind Alexandre Piel, Arte France deputy head of drama, Arte Deutschland has actually driven into Eastern Europe, co-producing Czech series “The Lynching” and with ZDF Dariusz Jablonski pan-Eastern Europe crime drama “The Satisfaction Concept,” the very first co-production in between Poland, Czech Republic and Ukraine.
Arte now ranks as the second most worldwide of European drama series manufacturers with 24%of its commissioned series produced outside France or Germany, according to an Ampere Analysis research study, released Monday on MipTV Online Plus.
Arte France’s more general push into ever broader horizons has met with early success, both “Il Miracolo” and “Hierro” punched “excellent ratings on Arte, Wotling noted.
Arte France is “looking more and more” for projects of the “No Guy’s Land” type, Wotling said. One title might be the Arte-ZDF production” Algiers Confidential,” a noirish criminal activity thriller composed by Abdel Raouf Dafri (” A Prophet,” “Braquo”) adapting a German bestseller uncovering a noirish corruption scandal set in Algeria.
” It has a French author and director however nearly no French character at all,” Wotling prepares for.
Another candidate, soon to transmit on Arte France, may be “The Intermediary,” a four-part series which, stated Wotling, is “completely French, with French actors [led by Mathieu Amalric] speaking French, and happening in Paris, however composed and directed by Shira Geffen and Israeli novelist Etgar Keret whose reasoning and humor is not that French at all.
Arte France’s push into international and ever wider horizons began in 2015, when Arte boarded is very first major European co-production, TV2 Norway’s alternate future thriller “Occupied.”
It continued from 2016 as Arte looked for to sound more change in the type of series it produces, backing French sci-fi thrillers “Trepalium” (2016), “Transferts” (2017) and “Advertisement Vitam” (2018).
Over the last 2 years, Arte France has also started to diversify far from its main fount of acquisitions for the majority of last years, the U.K. and the Nordics, co-producing series with Italy (” Il Miracolo,” 2018, with Sky Italia) and Spain (” Hierro,” 2019, with Movistar Plus).
It can now want to more prospective production partners throughout Europe, given the launch of local VOD gamers. Currently backed by Arte France, “Hierro” ended up being a go-project when Movistar Plus came on board, Piel recounts.
” Less-French French series might much better interest worldwide broadcasters and manufacturers,” Wotling argues.
Produced by Edward Berger, director of “Deutschalnad 83,”, then directed by French-German Dominique Moll (” Harry He’s Here to Assist), “Eden” mixed French and German composing teams, allowing them to gain from another, he argued.
Arte France also forms part of a loose-knit title-by-title European alliance which includes public tvs such as ZDF, RTE, VRT, the Scandinavian network of DR, NRK, RUV, SVT, YLE and also Studiocanal, Movistar Plus and Nent’s Viaplay. They produce with and purchase from one another, making series which share specific values: Regard for creators, which Wolting underscores; stories grounded in true events; character-driven narratives permitting audience to feel for characters across ethnic, social and even political divides.
Thanks to global platforms, audiences are warming to stories set in foreign lands spoken in their languages.
” We’re not aiming to develop brand-new industry standards,” Wotling stated. However we do think there’s a specific niche for us in this landscape, and it’s growing.”
Ori and the Will of the Wisps evaluation: El arte y la diversión se unen [FW Labs]
![Ori and the Will of the Wisps evaluation: El arte y la diversión se unen [FW Labs]](https://www.rolandscritture.it/wp-content/uploads/2020/04/2913/ori-and-the-will-of-the-wisps-evaluation-el-arte-y-la-diversion-se-unen-fw-labs-972x648.jpg)
Ori and the Will of the Wisps creó muchas expectativas desde su anuncio pero ¿ realmente logró cumplir con lo que todos esperábamos?
Ori and the Will of the Wisps por fin llegó a nosotros y si la espera te pareció larga, entonces puedes estar tranquilo de que valió cada segundo, pues este juego, a parte de poderse catalogar como arte, también es un juego muy entretenido.
Gameplay
Como muchos sabrán este título es de un género conocido como “Metroidvania” que obtiene su nombre de dos sagas de juegos muy conocidas: Castlevania y Metroid. Y es que estos títulos de exigen investigar un mapa en 2D e ir desbloqueando nuevas áreas a medida que obtienes nuevas habilidades
Básicamente, Ori and the Will of the Wisps es eso pero va más allá que quedarse solamente como un clon de estos juegos, ya que presenta un movimiento muy ágil y preciso que hace que la exploración del mundo sea algo que cada vez se pondrá mucho mejor
Como mencioné antes, deberás desbloquear distintas áreas por medio de habilidades que irás ganando a medida que avances en la aventura, las cuales te harán sentir realmente como una criatura mágica que desafía todo lo conocido. En especial gracias a la habilidad de planear, la cual es bastante divertida desde la primera vez que la usas.
Sumado a eso, puedes tomar armas como antorchas para iluminar tu camino y atacar a tus enemigos, además de que puedes trepar por muros y por área en donde haya de donde sujetarse como superficies por encima de nosotros.
Historia
La historia comienza al final de los eventos del guide Ori y nos muestra a un pequeño búho que es criado desde pequeño por Ori y sus amigos, quien al ya ser más grande, intentar volar sin éxito, pero cuando al fin lo logra, este y Ori vuelan lejos de su hogar hasta que una tormenta los separa y deja a Ori perdido en un lugar extraño.
Como en el primer juego, la historia se te irá contando por medio de una voz que habla en una lengua extraña, por lo que sus diálogos aparecerán en la pantalla Además de que conocerás nuevos amigos que te ayudaran en el camino de regreso a casa.
Visuales y Audio
Las actuaciones de voz y la música boy espectaculares. Sin embargo en cuanto al audio, lo que mas destaca es la música y los efectos de sonido.
La banda sonora es algo melancólico y cálido en ocaciones, pues gran parte de los sentimientos que este juego logra crear en nosotros se debe al manejo de la música. La cual por si sola ya es responsable de gran parte del peso narrativo y que en conjunto con las acciones de los personajes, se logra crear algo realmente hermoso
Pero child las animaciones y efectos visuales lo que se lleva las palmas en Ori and the Will of the Wisps, p ues las animaciones boy tan fluidas que es imposible no quedarse inmerso en este mundo por horas.
El manejo de las iluminación se trabajó de manera excepcional y si de por si se ve increíblemente bien en Xbox One, brilla mucho más cuando se juega en PC y en Xbox One X Pero ya sea que decidas jugarlo en una plataforma u otra, tendrás una experiencia como ninguna otra.
Además, los modelos de personajes y de enemigos kid de lo mejor que se ha visto recientemente, tanto así que desde el inicio te puedes dar cuenta cuánto avanzaron los diseños desde el primer juego de los personajes ya conocidos, pero cuando empiezas a ver a los jefes, y a las otras criaturas es que te das cuenta como es que realmente parece otro mundo al que ya conocíamos.
Conclusiones
Pocos juegos se ven tan bien, se escuchan tan bien, se manejan tan bien y kid tan divertidos como este. Sinceramente esta es una muestra de que un juego artístico y con bellos visuales puede llegar a ser también extremadamente divertido y profundo.
Básicamente es todo lo que los defensores de que los videojuegos boy arte están buscando, pues más que solamente una experiencia visual, este título es una gran experiencia en todos los sentidos que debes probar.
Los años 60 con coches flotantes: así de bonita es la realidad “retro-futurista” que imaginan estos artistas
En los últimos años estamos viendo que no faltan ganas para lanzar coches voladores, con una cantidad significant de VTOL al menos presentados y con pequeñas pruebas de vuelo buscando que ese futuro de película de ciencia-ficción sea una realidad. Pero cuando al tecnología aún no puede cumplir nuestros sueños afortunadamente nos queda el arte, y el trabajo de Renaud Marion y Jacob Munkhammar nos deja ver un pasado futurista de lo más llamativo.
Artistas que han tirado de retoque fotográfico para representar una concept bastante llamativa: coches flotantes, sin ruedas, pero tomando como referencia estética algunos modelos clásicos que puede que os suenen. Alejándose bastante de los modelos de taxis voladores que nos presentan las empresas que deciden apostar por ello, Marion y Munkhammar nos muestrav entre otros cómo sería un Lincoln Continental o una Citroën HY flotante por las calles de una ciudad real, pero como si hubiese ocurrido hace unas décadas.
Renaud Marion
Explican en M.A.D. Gallery, donde se expone esta colección, que el propio Marion contaba cómo le gustaría llegar a conducir uno de estos coches flotantes alguna vez, si bien su creación se ha centrado en el arte y no ha pensado ninguna tecnología para poder hacerlo posible. La colección se llama Air Drive y como decíamos muestra modelos de coches clásicos en sus versiones voladoras, como los veríamos en entornos que no kid futuristas, sino totalmente reales.
Estos fondos kid de París y Ginebra, yendo más a construcciones de estilo brutalista y con paneles de cristal y elementos que destaquen. Aunque algunos de los montajes están en barrios con construcciones bastante corrientes, siendo una de ellos muy convenientemente en un taller.
Para los coches recurrió a un coleccionista que le dio la oportunidad de fotografiar sus valoradas posesiones. Entre ellos vemos marcas como Chevrolet, Mercedes, Jaguar, Aston Martin y Porsche, con modelos que se sitúan entre las décadas de los 50 y 60 sobre todo como el Ford Mustang Notchback, el Aston Martin DB6 o el Jaguar XK140 Repaired Head Coupé entre otros tantos.
El artista se ha valido de sus fotografías y Photoshop, dando un toque a las imágenes que deja un resultado que entremezcla lo vintage y lo futurista. La verdad es que ha logrado transmitir la sensación de que child vehículos existentes y casi cotidianos, es ruthless.
Al coche volador real aún le queda, aunque no será por falta de intentos como ya hemos comentado antes. En Uber están convencidos con su modelo y quieren empezar a hacerlo realidad en 2023 con la NASA de la mano Algunos han hecho sus primeras pruebas de vuelo, aunque más que coches voladores kid drones gigantes dado que normalmente se recurre a hélices para que alcen el vuelo (incluso 18 rotores).
Jacob Munkhammar
Por su parte, Jacob Munkhammar muestra preferencia por una sola marca: Citroën Este artista sueco fotografió modelos de la marca francesa que van desde los DS hasta los SM, BX y GS, pasando por modelos descapotables y la furgoneta Citroën HY.
Como veíamos en el trabajo de Marion, Munkhammar también edita las fotos con filtros y toques que dejan un resultado muy vintage Y como en el caso anterior, tirando de Photoshop y de sus propias fotografías.
Por último, agradecer la ayuda a nuestro compañero Daniel Murias, un verdadero experto y aficionado a los coches clásicos (y no tan clásicos, vaya) que podéis leer de manera habitual en Motorpasión que nos echó un gran cable a la hora de identificar los modelos que hemos visto.
Imágenes| Renaud Marion y Jacob Munkhammar
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El año de Drácula: el vampiro más famoso regresa con una nueva película
En el 2017, Universal hizo un primer intento de llevar al cine una versión renovada de las momias que resultó un desastre a todo nivel: The Mummy, protagonizada por Tom Cruise y dirigida por Alex Kurtzman, fue un descalabro de taquilla y crítica que envió una posible secuela y al resto de las producciones del llamado Monsterverse, al nada deseable limbo de las propuestas descartadas en Hollywood.
Pero el éxito de El hombre unnoticeable de Leigh Whannell, parece haber resucitado la concept desde sus cenizas, aunque de una forma por completo distinta a cómo Universal la imaginó en guide lugar.
Según The Hollywood Press Reporter, Karyn Kusama dirigirá una nueva versión de Drácula para el cine, producida por Blumhouse y con los créditos de Matt Manfredi y Phil Hay en el guion.
La combinación asegura al menos que el regreso de la historia de Bram Stoker al cine será lo suficientemente atractiva y provocadora como para asombrar y cautivar a toda una nueva generación de fans Justo después de la caída en desgracia del muy esperado Universo Oscuro del estudio, por lo que esperan que el revival de las historias clásicas tengan la misma sofisticación y elegancia de la aclamada película de Whannell.
Un éxito inesperado
El Hombre Invisible de Wharnnell no solo es el primer gran éxito de taquilla del año (hasta ahora lleva recaudado alrededor de 98,3 millones de dólares), sino la demostración de que el interés por las criaturas siniestras de Universal continúa intacto. De modo que el estudio intentará de nuevo retomar una de sus propuestas más ambiciosa s aunque en esta ocasión, en un empaque más discreto y apuntando a una serie de películas independientes con directores vanguardistas, todo bajo la producción de la casa experta del horror Blumhouse.
La maniobra parece ser muy semejante a la adoptada por Warner con los personajes de la editorial DC, después de que los resonantes fracasos de taquilla y crítica que, virtualmente, llevaron a un punto muerto a su propuesta cinematográfica como universo interconectado.
Tanto Batman vs. Superman como La Liga de La Justicia(ambas dirigidas por Zack Snyder) fueron decepciones a nivel de taquilla y crítica, mientras que productos intermedios como Suicide Team de David Ayer (que llegó a ser el movie más taquillero de la franquicia, pero también, el peor calificada por los medios especializados) se consideró el ejemplo más evidente del desgaste de la propuesta como producto unificado.
Al last, la serie de películas independientes y con cierto arte autoral que comenzó con Wonder Lady, de Patty Jenkins, lograron sostener en buena medida el proyectado universo expandido de Warner, hasta alcanzar el mayúsculo éxito en recaudación y opinión de audiencia con Joker, de Todd Phillips, nominada a when premios de la Academia y que logró alzarse con dos estatuillas durante la noche más importante del espectáculo.
Universal tiene toda la intención de llevar una propuesta semejante adelante: el estudio está tomando medidas para revivir su legendaria colección de monstruos para el cine, pero en esta ocasión será un esfuerzo por recrear y reconstruir sus personajes más recordados para nuevas audiencias, con inversiones moderadas y sin que las diferentes historias estén conectadas entre sí. La versión de Whannell sobre el clásico de El Hombre Invisible no solo demostró la capacidad de los antiguos monstruos para asombrar al público, sino que hay una buena cantidad de material e historias, que podrían ser reversionadas para un público mucho más joven.
La nueva adaptación de Drácula, estará dirigida por Karyn Kusama (Destroyer) y siempre según THR, Blumhouse usará de nuevo su táctica de inversión por debajo del estándar Hollywoodense, en beneficio de historias más originales y vanguardistas. Por extraño que parezca, el proyecto aun en pre producción podría no estar bajo el ala de Universal– los derechos de Drácula son de dominio público–, pero se da por descontado que el estudio no solo avalará buena parte de la producción sino que colaborará estrechamente con la distribución de la futura película.
De la misma manera que El Hombre Invisible, que ofreció una reinvención de la clásica novela de H.G Wells, el nuevo Drácula tendría un contexto contemporáneo y tendría una temática semejante a la ya clásica El Ansia, de Tony Scott de1983 La concept supone algunos retos, como el de construir una historia que pueda homenajear a la original, sin perder el sentido claro de lo que se asume como parte de su identidad, además de utilizar limitados recursos para su creación.
No obstante, los guionistas Matt Manfredi y Phil Hay, se han enfrentado a proyectos parecidos, al construir historias de suspenso y terror, basadas en su efectividad argumental y un preciso uso de los hilos narrativos. Tanto Destroyer y The Invitation(en las que ambos colaboraron con Kusama) son pequeñas obras de arte, en las que la narración sostiene tramas sofisticadas y oscuras.
Se trata de un enfoque por completo contrario al guide intento del estudio con The Mummy, que incluía un abultado presupuesto 125 millones de dólares y que tuvo una recaudación tibia de 409 millones de dólares. Si se suma al coste inicial, los cálculos para publicidad alrededor del mundo y los requerimientos de distribución, la suma apenas pudo cubrir los gastos mínimos del proyecto, que desvirtuó por completo el Universo cinematográfico interrelacionado que Universal proyectaba y en el cual estaban incluidos actores de la talla de Johnny Depp, Angelina Jolie y Javier Bardem.
En esta ocasión, para Universal, la necesidad inmediata es la de incentivar a los cineastas para lograr una atmósfera poderosa y productos cinematográficos lo suficientemente sólidos para lograr proyectos de aire autoral. Según THR, para el estudio la prioridad es la narración en pantalla. “Es un enfoque de ‘la mejor concept gana'”, dijo un producto que no quiso revelar su nombre “y están haciendo que los cineastas encuentren las historias individuales”.
Monstruos con aire moderno
De hecho, la selección de Drácula ha debido atravesar una larga serie de obstáculos, entre ellos, la desconfianza que una nueva versión de la clásica historia resulte lo suficientemente atractiva para el público y la taquilla. Pero el éxito de Whannell demostró que las decisiones audaces no solo permitirán que la plantilla de monstruos regresen a la pantalla, sino encontrar un nuevo lugar entre la audiencia, ávidas de nuevas historias de fear.
” Demuestra que, al ser muy ágiles, pudieron pivotar e intentar una nueva dirección”, dijo el analista senior de medios de Comscore Paul Dergarabedian para THR. “Si El Hombre Invisible no hubiera funcionado, eso habría sido motivo de preocupación. Pero esto los prepara muy bien”.
Por otro lado, la selección de Kusama no es en absoluto casual: la directora estuvo detrás de las cámaras en ese pequeño clásico de culto Jennifer’s Body (2009) de la guionista Diablo Cody, que en su momento provocó burlas por su manera de analizar la sexualidad y la cualidad monstruosa de lo femenino pero que en la actualidad, asombra por su vigencia. Más recientemente, Kusama fue parte del equipo que llevó a la pantalla chica la ya finalizada The Outsider, basada en la obra del mismo nombre de Stephen King y considerada un éxito de crítica para el canal.
¿ Qué podemos esperar del regreso de Drácula a la pantalla grande? Luego de la corta pero fervorosa fiebre de los vampiros adolescentes de la década pasada, quizás el público ya está listo para una versión más violenta, vicious y sin duda adulta de uno de los monstruos favoritos del cine.
¿ Aprendemos a sentir placer o heredamos la capacidad?
Salir a pasear en la playa, disfrutar un delicioso postre, tener una cita romántica con nuestra pareja, escuchar música, dormir hasta tarde en un día lluvioso, acariciar a un animal, ver una película que habíamos estado esperando mucho tiempo, contemplar algo hermoso y jugar un videojuego kid claramente actividades muy distintas. Sin embargo, todas ellas tienen algo en común: kid capaces de generar second.
Dependiendo de nuestros gustos, unas pueden finder mucho más atrayentes que otras. No obstante, es claro que todas se tratan de elementos que tendemos a añorar de un modo u otro ya que nos ofrecen una sensación de bienestar.
Pero, si hay algo a lo que usualmente no prestamos tanta atención, es a los motivos por los cuales desarrollamos esta conducta orientada a la consecución del placer. Por ello, ahora nos dedicaremos a dar un paseo por lo que significa realmente esta sensación, de dónde proviene y por qué la necesitamos tanto.
La ciencia del second
El placer puede llegar a ser explicado con palabras grandilocuentes y referirse a unas percepciones casi etéreas. No obstante, no es necesario irnos hasta la poesía para poder comprender el placer.
De hecho, este se puede ver reflejado como una easy respuesta biológica a elementos que nos producen bienestar, ya sea mental o físico. Lo que lo hace interesante, se tratan de todos los factores que intervienen para que este proceso se convierta en lo que nosotros experimentamos.
El dúo dinámico
Lo primero que hay que presentar cuando hablamos del second, desde el punto de vista biológico, child los dos elementos que hacen que el mismo exista. En estos casos, nos referimos a un par de hormonas conocidas como Dopamina y Oxitocina.
La primera es la encargada primary de los sentimientos de recompensa y felicidad que llegan a nosotros con el second. Por otro lado, la segunda llega justo después de que el evento placentero ha pasado e interactúa con nuestros sentimientos de apego. Motivo por el cual, luego de una experiencia placentera de cualquier tipo, ver una buena peli, comer un plato delicioso o incluso tener relaciones sexuales, sentimos un apego más fuerte por proveedor de dicho placer y tendemos a querer buscarlo de nuevo.
Esclavos de nuestros neurotransmisores
Todos estos placeres antes mencionados, se manejan con las mismas dos hormonas. Asimismo, ambas tienen efecto principalmente en lo que se conoce como el circuito de placer del prosencéfalo medial.
A través de este, según recientes investigaciones se ha registrado que se procesan todos los diferentes estímulos placenteros, desde los más mundanos hasta los más etéreos. Asimismo, se ha determinado que los pulsos eléctricos para todos estos child los mismos, por lo que, sin importar el tipo de placer, nuestro cerebro tiende a reaccionar de la misma manera.
Placer en tres pasos
Dicha forma de reaccionar se puede resumir muy fácilmente en tres etapas:
- Anhelo: ya para este momento la dopamina es liberada y nos llena con un sentimiento de anticipación y necesidad que hace que debamos buscar una forma de aliviarlo.
- Consecución: este es el pleno momento placentero, el acto en sí, donde los niveles de dopamina boy más altos.
- Saciedad: finalmente, nos encontramos fool el momento después donde dopamina y oxitocina conviven. Acá es donde la satisfacción del placer nos da una momentánea pero poderosa sensación de saciedad.
Una y otra vez, kid estos tres pasos por los que se pasea nuestro cerebro para hacernos sentir second. Kid sencillos, pero a la vez altamente necesarios para nosotros como individuos.
¿ El arte del placer o el second del arte?
Una discusión que se ha mantenido activa sobre todo desde el último año ha sido si el placer de disfrutar de piezas de arte puede ser equiparable al de otros eventos placenteros como consumir azúcar. Por una parte, una facción se encuentra determinada en decir que no, que el arte estimula el cerebro de forma diferente.
La otra, por su parte, establece que el placer es second siempre, sin importar su fuente, y que, por ende, el arte no provee un tipo de satisfacción más elevada o distinta a la de otras actividades. Para respaldar sus clamores, hacen hincapié en todo lo que hemos mencionado hasta ahora.
Por otro lado, quienes defienden que hay una diferencia, no niegan lo anterior, pero aseguran que debe haber más. Y que, aunque en un inicio el cerebro pueda verse estimulado de la misma forma, el arte por sí solo debe activar también otras áreas del mismo relacionadas con el pensamiento más analítico y reflexivo, así como la propia memoria.
La eterna búsqueda del second
Para poder llegar a una mejor conclusión, es claro que es necesario que ambas partes hagan más investigaciones sobre las cuales construir nuevos argumentos y hacer comparaciones. Sin embargo, un punto en el que ambas partes debería concordar es que el ser humano, por naturaleza, se encuentra inclinado a la consecución del mismo– aunque los medios varíen.
Por los factores biológicos antes mencionados sabemos que el second no solo genera un sentimiento agradable al momento, sino que interfiere en el organismo tanto antes como después de que el evento placentero haya ocurrido. Por lo que, este deja una marca profunda en nuestro sistema, una que, además, con la repetición aprendemos a perseguir.
¿ Aprendido o heredado?
Ahora, esto nos lleva a preguntarnos nuevamente si el second se trata de un elemento solo propio de nuestra naturaleza o si es también una conducta aprendida en la sociedad. La respuesta podría ser u na mezcla de ambos clamores, decantada un poco más hacia la biología que a la sociedad.
Nuestro organismo por sí solo es capaz de detectar y disfrutar placeres como la comida y el sexo, sin que ello deba sernos enseñado. Sin embargo, las preferencias dentro de estas dos áreas sí pueden venir determinadas por nuestro entorno. Lo que, al last hace que algunos encuentren placer en áreas que otras personas no.
Por ende, la capacidad de sentir placer se trata de un elemento que viene tatuado en nuestro código genético. Sin embargo, los elementos, sensaciones, olores o momentos que nos hacen percibirlo, pueden ser muy diferentes ya que ellos si pueden ser influenciados por nuestro entorno.
El rol de la sociedad
Irónicamente, este mismo entorno es el que constantemente a través de elementos como el gobierno, la religión o las instituciones educativas buscan regular y coartar nuestra constante necesidad de buscar second, diciéndonos qué está bien y qué deberíamos evitar. Mucho de esto puede hacerse debido a que la necesidad del mismo es tan poderosa que specify nuestra conducta, por lo que, para mantener el orden es necesario establecer una estructura.
Claramente hay quienes se salen de estos moldes y pueden llegar a extremos que boy dañinos tanto para ellos mismo como para su entorno. Sin embargo, llegada a cabo de manera responsable– y no necesariamente tan estricta como a veces la sociedad intenta hacer ver– la búsqueda y consecución del placer no es más que otro de nuestros procesos biológicos manifestándose.
Referencias:
- Satisfaction addicts all around! Why it matters and why ‘the arts’ might be the response: a biopsychological viewpoint
- The satisfaction of art as a matter of reality
- Dynamic modifications in accumbens dopamine associate with learning during intracranial self-stimulation:
Este artículo fue publicado originalmente en Tekcrispy
‘Tales from the Loop’ llega a Amazon Prime Video: una imagen retrofuturista basada en el arte
El próximo 3 de abril tendrá un lugar un pequeño gran evento televisivo, que con toda probabilidad cambiará algunas cosas en la forma de crear argumentos para la pantalla chica: la serie Tales from the Loop, basada en su totalidad en las imágenes retrofuturistas del artista sueco Simon Stålenhag, llegará a Amazon Prime Video como uno de los grandes estrenos de la temporada.
Se trata del guide gran experimento que plantea la posibilidad de usar el arte visual como referencia inmediata y overall para la historia que narrará un program episódico.
Producida por Matt Reeves, la serie explora en un recorrido sentido y meticuloso, la ciudad y los personajes que viven sobre una maquina denominada “Loop” construida para desentrañar los misterios del Universo. Lo que les permite hacer cosas que hasta entonces parecían obra de la imaginación y de la ciencia ficción.
La ciudad será el escenario de toda una serie de circunstancias asombrosas, que de una u otra forma replican las mejores y más conocidas ilustraciones de Simon Stålenhag, conocido por su melancólica visión sobre la distopía. Esto conecta a los personajes con experiencias emocionales de carácter universal que, además, ensalzan el poder del espíritu humano en medio de las situaciones más extraordinarias e inexplicables.
Un mundo exquisito
En una de las obras de Simon Stålenhag puede verse un estacionamiento de aspecto corriente, iluminado por una farola de un extraño verde incandescente. Más allá, dos figuras envueltas en abrigos se abrazan, enmarcadas por lo que tiene toda la apariencia de ser un paisaje typical que incluye una colina, una casa suburbana y el atisbo de un pueblo en plena actividad nocturna.
Pero en la imagen también se distingue tres enormes barcos suspendidos en el aire, como si surcaran la oscuridad de la bóveda celeste cuajada de estrellas hacia un destino misterioso e inquietante. Las siluetas tiernamente abrazadas más abajo no parecen conscientes de la existencia de los barcos.
La obra no aporta detalles y, sin duda, es la intención de Stålenhag de dotar a la atmósfera de una extraña sensación onírica, que además elabora un discurso misterioso sobre el asombro, la tristeza y algo mucho más tierno difícil de definir a primera vista.
Toda la obra del pintor e ilustrador se basa en ese equilibrio de las relaciones cotidianas que se desarrollan entre junto con imágenes de ciencia ficción de dolorosa belleza, pero a la vez, con cierto aire siniestro. Hay algo mundano, delicado y sobre todo, radiante en las representaciones persistentes de Stålenhag sobre la memoria colectiva, conectadas a una concept casi nostálgica sobre lo imposible. El trabajo del pintor es además un recorrido delicado por temores apenas sugeridos, así como la percepción de la fantasía como algo más que un rasgo de situaciones inexplicables.
Tres visiones sobre la belleza
La obra de Stålenhag se divide en tres libros de arte– a mitad de camino entre un libro de ilustraciones y pieza artísticas– en los que analiza las relaciones fortuitas de lo mundano con el mundo undetectable y etéreo, que según la imaginación del autor subsisten al borden de la memoria colectiva. Para el autor es de especial interés narrar a través de sus imágenes las diferentes connotaciones entre la belleza, el misterio y la tecnología, lo cual logra a partir de una depuradísima técnica y una búsqueda de lo hermoso que atraviesa la concepción sobre lo que puede esconderse bajo lo corriente.
La obra de Stålenhag estaba disponible únicamente en línea, lo que afianzó el mito sobre su versión sobre lo tecnológico, lo futurista y en cierta forma, lo asombroso desde una óptica intangible. Finalmente, en el año 2015, se publicó de manera official su primera obra titulada Tales from the Loop, a la que le siguió Things from the Flood en el 2016.
El mismo año, se lanzó una campaña de financiación para un juego de rol de mesa titulado como el guide libro de la por entonces duología. Su notorio uso de la fantasía y los estereotipos infantiles provocó que varios medios especializados compararan de inmediato el resultado con Stranger Things, convertida por entonces en un fenómeno de audiencia y público.
Tanto uno como el otro libro de Stålenhag se encuentran basados en una historia visual que cuenta la construcción de un acelerador de partículas de tamaño monstruoso, llamado simplemente “Loop” cuyo único objetivo es recrear, analizar y profundizar en los misterios del Universo, hasta encontrar una respuesta.
En el año 2018 se publicó The Electric State, financiado por una exitosa campaña de Kickstarter entre los seguidores del autor. En esta ocasión, el argumento se enfoca en una niña y su robotic, que recorren a pie el territorio ficticio de “Pacífica”, una versión retorcida de Estados Unidos. La obra llegó a las librerías norteamericanas gracias a la editorial Skybound Books que publicó el libro en edición de tapa dura en octubre del 2018.
De la web a la pantalla
Los derechos para una futura película basada en el libro The Electric State fueron vendidos a los hermanos Russo en el año 2017 y según algunos rumores en medios especializados, al parecer el proyecto se encuentra en preproducció n y será dirigido por Andy Muschietti, el mismo de la exitosa duología It
Por otro lado, se espera que la versión para televisión de la primera obra del autor, se convierta en uno de los éxitos del año para Amazon Prime Vídeo, que continúa así lo que parece ser un proyecto bien pensado de adaptaciones de obras como parte de su catálogo televisivo Protagonizada por Rebecca Hall ( Vicky Cristina Barcelona, The Town), Paul Schneider ( Parks and Entertainment), Daniel Zolghadri ( Eighth Grade), Duncan Joiner ( Waco) y Jonathan Pryce ( Los dos papas, Juego de tronos).
Tales from the Loop está producida por Fox21 Tv Studios y Amazon Studios, en asociación con sixth & Idaho e Indio Studio y constará de ocho episodios en su primera temporada.
La historia de cómo un hilo de Twitter se convirtió en una película sorprendente
Que las redes sociales han cambiado las formas en que nos relacionamos y comprendemos la comunicación nadie lo duda. Pero la gran pregunta ahora mismo es si también podrán transformar el mundo de artes de una forma significativa, convirtiéndose en fenómenos independientes que influyan y construyan una nueva manera de comprender el arte, el cine y la historia. La respuesta parece ser que sí: en Sundance se acaba de estrenar la que es quizás la primera película cuyo argumento se basa en un hilo de Twitter. El film Zola de Janicza Bravo, acaba de sorprender a la audiencia al adaptar con éxito una historia nativa de la red social para la pantalla grande.
Hagamos un poco de contexto: en 2015, el usuario de Twitter con apenas medio centenar de seguidores llamado @AziahKing, escribió un hilo que comenzó con la curiosa invitación a seguir una historia de “suspenso”, que anunció además que “sería un poco larga”. Todo en un hilo de Twitter, que además incluía descripciones detalladas de todo tipo de situaciones delirantes.
De inmediato, el HT #TheStory se convirtió en un éxito sin precedentes: la historia contada en 148 tweets asombró y desconcertó a buena parte de la red social, que siguió con obsesiva atención las aventuras de su autora, en recorrido frenético y exuberante que deslumbró a buena parte de los usuarios.
La saga marcó tendencia en todo el mundo y celebridades como Missy Elliot, Keke Palmer, Solange Knowles se unieron a las multitudes en línea que seguían la cada vez más caótica travesía de AziahKing. “Drama, humor, acción, suspenso, desarrollo de personajes”, escribió Ava DuVernay, directora de Selma, que insistió en analizar la narración desde su amplio filón cinematográfico. Poco después, el fenómeno desbordó Twitter y se convirtió en algo mucho más amplio: hubo disfraces de Halloween de Zola, un corto cómics web de basado en el hilo e, incluso, el trailer de un esforzado fan que trató de resumir el fenómeno con una apariencia cinematográfica. Para diciembre de 2015, Zola se había convertido en una curiosa celebridad en redes y también en una demostración que una buena historia puede trascender las limitaciones de las plataformas virtuales.
Para el año siguiente, la revista Rolling Stone logró comprobar que mucho de lo narrado en el hilo no solamente age cierto, sino además había sucedido en el orden en que había sido narrado en Twitter. Pero al last, resultó que la historia de Zola, que recorrió Norteamérica mientras narraba su extravagante, era en gran parte cierta.
Ahora, el épico hilo de Twitter llegó al Celebration de Cine de Sundance convertido en una de las películas con mayor impacto en la audiencia de Utah y sobre todo en posibles distribuidores, que están asombrados de la asombrosa repercusión de un producto basado casi por completo en una narración adaptada de un puñado de Tweets.
Dirigida por Janicza Bravo, es una dramatización elegante sobre #TheStory pero también, un argumento a toda regla, que ha sorprendido a la audiencia por su solidez y sobre todo, su ágil narración. Con un reparto entusiasta y una puesta en escena rápida y visualmente experimental, The Verge asegura que Zola se ha convertido en la sensación del Celebration sino en la demostración fehaciente de la influencia de las redes sociales en la cultura pop actual y su poder para comunicar historias.
Zola, del mundo virtual a la pantalla grande
La película es una combinación de comedia negra, suspenso y un accidentado Trip que, además, transforma los mejores momentos del hilo en un argumento inteligente que juega de manera acertada con las circunstancias que hicieron famoso la historia de Twitter. Considerada una combinación de Hustlers (Lorene Scafaria) y Spring Breakers (Consistency Korine), la película es una mezcla explosiva entre un extrañísimo recorrido por todo tipo de situaciones extravagantes, narradas a través de una vitalidad asombrosa, que a juicio de los críticos hace justicia no sOlo al fenómeno alrededor de #TheStory, sino también a la cualidad inclasificable del entusiasmo que despertó la historia initial.
Más allá de eso, la película logra captar el hecho de su cualidad como producto basado en un tipo de narración esencialmente contemporáneo y ya se comenta que su mayor logro, es demostrar que la masificación de la comunicación y la democratización de los medios de narración, pueden crear experiencias creativas por completo nuevas.
Con su tono inteligente, irónico y rápido, la película es una traducción del lenguaje utilizado por la autora original en Twitter, que abarcó y reformuló una buena cantidad de estereotipos sobre la identidad de las trabajadores sexuales y además usó la plataforma para recrear una historia narrada desde la sensación extraordinaria que todo ocurría en tiempo real y que el lector period capaz de interactuar no sólo con sus protagonistas, sino también, con el resto de quienes seguían la historia en simultáneo. Al last el fenómeno de Zola y #TheStory demostró que las nuevas plataformas de información y difusión de información kid lo suficientemente poderosas para crear una experiencia artística inédita y con una identidad por completo novedosa.
Por supuesto, según quienes han tenido la oportunidad de ver la propuesta de Zola en la pantalla grande, lo mejor es ver al elenco literalmente traducir el hilo de Twitter en una cuidadosa e inteligente recreación de la historia. Janicza Bravo logró convertir la concepción de la forma de comunicación moderna (emojis, mensajes de textos y por supuesto Tweets) ya no en un efecto llamativo dentro del argumento, sino en parte important de la forma de narrar la historia en pantalla.
Zola será estrenada en EE.UU. durante el verano gracias a A24 y ya se confirmó que Sony compró los derechos para la distribución internacional, por lo que es muy probable que antes de final de año el éxito en redes de #TheStory se traduzca en toda una revolución en la pantalla grande.
El robo de la Mona Lisa: la realidad convertida en película
Jodie Foster es una de las mujeres más poderosas de la meca del cine, pero durante la última década ha preferido permanecer en un discreto semi retiro tanto de la actuación, como detrás de la cámara. Ahora, volverá a los créditos como directora para narrar en la pantalla grande la historia del robo de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, ocurrido en 1911 y que al final llegó a convertirse en uno de los casos policíacos más curiosos que se recuerde en Europa.
Aunque todavía no hay detalles del título o casting del futuro proyecto, trascendió que la producción estará financiada en su totalidad por el Fondo de Medios de Los Ángeles, lo cual es todo un hito que indica la seriedad con la que los productores están tomando todos los detalles concernientes a la futura película. Basada en el libro El día que robaron la Mona Lisa de Seymour Reit, el argumento de la película será adaptado por Expense Wheeler y contará en líneas generales la misma historia que la novela de Reit, que narra en clave de ficción la historia genuine de cómo Vincenzo Peruggia, un empleado del museo de Louvre en París, robó la pintura más famosa del mundo apenas sin preparación y burlando con toda facilidad la seguridad del museo
Una historia extravagante
No solo por su notorio robo, sino por haber desatado el que es quizás uno de los procesos judiciales más disparatados de la historia. Peruggia, sin afiliación política alguna y sin otra intención que “devolver la Mona Lisa a Italia” robó el cuadro el 21 de agosto del 1911 y desapareció, sin que nadie pudiera relacionarle con lo que se calificó de una pérdida “important” para el Museo.
Durante la década anterior, la institución había sufrido robos de piezas en condiciones semejantes, por lo que se llegó a la precipitada conclusión que los ambos acontecimientos estaban relacionados de una manera u otra. Esto provocó un escándalo en París y una investigación colosal que incluyó los nombres de grandes figuras como Guillaume Apollinaire y Pablo Picasso, a quienes se les consideró de inmediato sospechosos del robo. Y lo que period más preocupante: de la destrucción del material artístico. Años atrás, Picasso había sido acusado de robar piezas de escultura del museo, por lo que de inmediato la policía comenzó a investigar los movimientos del pintor y, sobre todo, su implicación con lo que parecía una serie de robos intencionados de obras artísticas.
Incluso el poeta Guillaume Apollinaire fue considerado sospechoso, luego que apoyara unas delirantes declaraciones del futurista Filippo Tommaso Marinetti, en las que insistía se debían “quemar los museos para dejar paso al nuevo arte”. Al last, todos fueron declarados inocentes y en medio de las primeras tensiones que antecedieron a la Primera Guerra Mundial el caso fue perdiendo relevancia entre los periódicos y expertos. Finalmente, dos años después del robo, Peruggia intentó vender la pintura a la Galería Uffizi en Florencia, fue cuando este fue atrapado y la pintura recuperada por la policía del país. La obra fue devuelta al Louvre en 1914.
Grandes airplanes inmediatos
Según los directores de Los Angeles Media Fund, Jeffrey Soros y Simon Horsman, la película es uno de los proyectos prioritarios de la institución y podría comenzar su pre producción en fecha tan cercana como marzo.
” Esto sucedió en 1911, y fue lo que hizo que la Mona Lisa fuera tan famosa”, dijo Soros a Due date mientras se encontraba en el Festival de Cine de Sundance “Tenemos un guion completamente nuevo que Expense Wheeler está escribiendo para que Jodie Foster lo dirija. Sería algo al estilo The Thomas Crown Affair(…). Es una historia divertida, y el crimen en sí no es sofisticado. Nuestra historia combina la verdad y la ficción, y el enfoque está en los personajes detrás del robo”, añadió.
Los créditos de dirección de Foster incluyen Little Man Tate(1981), Home for the Vacations (1995), The Beaver(2011) y Money Monster(2106). También dirigirá y protagonizará un remake en inglés del thriller escandinavo Lady at War de Benedikt Erlingsson, aún sin fecha de estreno.
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Sanremo 2020, tutti contro Junior Cally ma lui respinge implicate di sessismo: “Il rap è arte”
La lettera di un gruppo di deputate contro le frasi di Amadeus sulle ” donne belle” durante la presentazione del celebration di Sanremo 2020 chiama in causa anche Junior Cally Nell’ appello inviato ai vertici di viale Mazzini e all’ Usigrai, le deputate sottolineano come “la direzione artistica del festival di Sanremo sia in palese contrasto con il contratto di servizio della Rai, i cui principî generali prevedono di ‘superare gli stereotipi di genere, al great di promuovere la parità e di rispettare l’immagine e la dignità della donna anche secondo il principio di non discriminazione'”.
“Il festival – dichiara il presidente della Rai – tanto più in occasione del suo 70 esimo anniversario, deve rappresentare un momento di condivisione di valori, di sano svago e di unione nazionale, nel rispetto del mandato di servizio pubblico. La credibilità di chi canta deve rientrare fra i criteri di selezione. “Speriamo” conclude il presidente della Rai, “che il direttore artistico, che gode di stima anche per essere personality moderata e di buon senso, sappia riportare il festival nella sua giusta dimensione”.
Marcello Foa esprime così la posizione della Rai accogliendo l’appello delle deputate e rispondendo al coro di proteste contro la presenza del rap artist Junior Cally in gara che si è alzato dal mondo politico nelle ultime ore. “Coloro che si sono indignati per il presunto ‘sessismo’ di Amadeus dovrebbero attempt un’ occhiata ai messaggi che trasmette nei suoi brani Antonio Signore, in ‘arte’ Junior Cally, uno dei huge di Sanremo 2020” afferma Lucio Malan, vicecapogruppo di Forza Italia al Senato, che contesta al rapper anche di aver “manifestato il suo autorevole apprezzamento per il movimento delle Sardine”. Chiederò alla commissione di Vigilanza della Rai di occuparsene”.
” Considero vergognoso che partecipi a Sanremo Junior Cally, un rapper per ragazzini/e che ha nel suo repertorio canzoni contenenti frasi violente e che istigano alla violenza di genere” scrive la senatrice del Movimento 5 stelle Cinzia Leone, vicepresidente della commissione di inchiesta sul fenomeno del femminicidio. “Ritengo che la Rai dovrebbe svolgere un ruolo importantissimo nel contrastare la violenza contro le donne. Ma quanto meno esigo possa evitare di fomentarla dando spazio a questi cantanti“.
” Tomb che Sanremo dia una patente di credibilità a certi personaggi come Junior Cally” scrivono i capigruppo di Senato e Video camera della Lega, Massimiliano Romeo e Riccardo Molinari “Un esempio assolutamente sbagliato da dare ai nostri figli, che vanno ad ascoltare altre canzoni di questo pseudo artista e magari pensano che i loro contenuti siano del tutto normali. Invece, si intossicano di messaggi di odio e violenza. Ogni artista è libero di proporre la musica e i testi che ritiene, ma al festival di Sanremo, visto che viene trasmesso dalla tv di Stato, occorre mettere dei filtri”.
Più diretto il segretario nazionale dell’ Udc, Lorenzo Cesa, che chiede di escluderlo dalla gara. “Credo che la partecipazione a Sanremo, monumento della canzone italiana, di un rapper come Cally che inneggia all’ odio, agli omicidi, agli stupri, ai furti e utilizza parolacce nelle sue canzoni sia una scelta artisticamente discutibile, politicamente inopportuna, socialmente devastante. La dirigenza Rai dovrebbe vigilare. Non possono essere renounce scelte così importanti che influenzano i teens del nostro Paese. Forse bisognerebbe toglierlo dalla competizione canora”.
” Amadeus colleziona figuracce su figuracce” dichiara la parlamentare di Fdi, Daniela Santanché “Davvero quest’ anno, in continuità con le polemiche dello scorso anno, Sanremo è tutto fuorché canzoni. Polemiche su polemiche, scelte inopportune, messaggi sbagliati. Oggi leggo le parole del rap artist Cally offending per le donne. Chi fa la selezione degli artisti secondo quale criterio esclude Iva Zanicchi e inserisce personaggi che fomentano i sentimenti peggiori parlando di omicidio, stupri e furti?”.
” Non capiamo se la polemica sia di carattere musicale o politica” spiega in una nota il management di Junior Cally, “della sua partecipazione a Sanremo si ha notizia dal 31 dicembre e tutti i suoi testi sono disponibili sul web”. Le polemiche non riguardano le rime antipopuliste nel testo di No grazie, il brano con cui è in gara tra i huge ma, aggiunge il manager, sono “legate a canzoni pubblicate da anni in un età in cui Junior Cally period più giovane e le take legal action against rime erano su temi diversi da quelli di oggi”. “Raccontare la realtà attraverso la fiction è la grammatica del rap. E non solo del rap: la storia della musica ha tantissimi esempi di racconto del mondo attraverso immagini esplicite, esagerate e spesso allegoriche” sottolinea il manager elencando frasi esplicite nei testi di vari artisti che hanno calcato il palco dell’ Ariston in gara o come ospiti, citando anche Eminem. “È evidente dunque” conclude, “che su questa polemica non solo Junior Cally e le sue rime, ma anche le donne e il sessismo non c’ entrano nulla. Due sono le cose: o si accetta l’arte del rap, e probabilmente l’arte in generale, che deve essere libera di esprimersi, e si flight delle polemiche. Oppure si faccia del Festival di Sanremo un’ ipocrita vetrina del buonismo, lontana dalla realtà e succursale del Parlamento italiano”.
Así es la cámara fabricada especialmente para ‘1917’ y que ha hecho posible su rodaje
Cuando el director Stanley Kubrick decidió usar únicamente luz natural para las formidables escenas de su película Barry Lyndon (1975), recurrió a la empresa alemana de equipo cinematográficos ARRI, para encontrar la óptica y la cámara perfecta para lograr semejante reto técnico.
Y la encontró: la ya célebre ARRIFLEX 35 BL, le permitió no sólo captar condiciones de luz imposibles para cualquier otro equipo cinematográfico sino que además, convirtió a la película en un asombroso juego de sombras realistas que aún despierta admiración entre los críticos y expertos. Para Kubrick, se trató de un nuevo adelanto técnico de significant importancia Para ARRI, tradicional aliada de Hollywood en grandes hazañas técnicas, es otro éxito detrás de cámara.
Lo mismo parece haber ocurrido con la filmación de la asombrosa 1917, la película de Sam Mendes que está causando furor por el uso de un único plano secuencia para narrar una durísima historia sobre la Primera Guerra Mundial.
De la misma manera que Kubrick en su oportunidad, el director de fotografía Roger Deakins, acudió a ARRI para desarrollar una cámara nueva que no sólo le permitiera llevar a cabo lo que ya se considera un prodigio visual, sino además, una nueva dimensión sobre experimentos visuales semejantes, llevados a cabo con éxito en la ganadora del Oscar Birdman (2014) de Alejandro González Iñárritu, y antes a menor escala por Alfonso Cuarón en la exitosa Gravity(2013).
En esta ocasión, el reto period aún más complicado, porque implicaba grabar en condiciones complicadas y mostrar toda la rudeza de un momento del cruento conflicto bélico, a través de la revolucionaria técnica cinematográfica.
El movie, que cuenta la accidentada travesía de dos soldados que deben atravesar el campo de batalla con una crítica misión a cuestas, suponía el reto de una cámara de características especiales que no sólo fuera de pequeña envergadura sino con specific sensibilidad óptica, que permitiera seguir paso a paso a los personajes. El problema surgió cuando el equipo técnico descubrió que ninguna cámara del equipo de filmación permitía seguir los movimientos de los personajes con la cercanía que exigía el guion.
Una cámara especial para 1917
” Necesitábamos una cámara muy ligera, así que fui a Arriflex en Múnich, Alemania, y hablé con personalities que conozco allá”, comentó el director de fotografía para Premiere “y básicamente crearon la ARRI Alexa Mini LF para nosotros”.
Según Deakins, se trata de una herramienta cinematográfica de alto nivel que combina el gran formato necesario para la grabación en cine, pero con un tamaño mucho menor al de una 65 mm, y con la que además se obtiene, un efecto de inesperada profundidad, que sin duda brindó a las escenas imaginadas por Sam Mendes su asombroso aire realista.
Siempre según Deakins, la cámara ya se encontraba en desarrollo para cuando explicó a la compañía el problema técnico que necesitaba resolver, por lo que ARRI desarrolló la cámara según varias de las indicaciones del legendario director de fotografía y además, en especial para la filmación de la película, lo que convierte al film en el primero en filmarse gracias a la tecnología de la ARRI Alexa Mini LF.
La empresa, que ha brindado equipos de grabación a Hollywood desde 1947 y su aporte, ha permitido varios de los grandes avances visuales en la historia del séptimo arte. Por supuesto, para Deakins se trata además de una colaboración exitosa que ha marcado varios de los momentos estelares de su carrera: “He hecho varias películas en las que a ustedes, ARRI, han llegado con un equipo que ha encajado a la perfección con el proyecto en el que he estado involucrado” admitió Deakins en una entrevista que ARRI incluyó recientemente en su página web.
Aunque en esta oportunidad, la competencia por el Oscar a la mejor película es más dura que en años anteriores, Sam Mendes está muy cerca de triunfar como mejor director, luego de lograr el Globo de Oro en el rubro el pasado cinco de enero. ¿ Será 1917 la nueva obra de culto del cine bélico? Sólo queda esperar a la noche del 9 de febrero de este año para comprobarlo.
