società
O que é isso da arte participativa? “Temos de compreendê-la nos seus próprios termos”
François Matarasso participava numa peça de teatro em Londres quando o incumbiram de imprimir os cartazes do espectáculo. Indicaram-lhe “uma gráfica comunitária”, onde as pessoas desenhavam e imprimiam à mão os seus próprios trabalhos (em serigrafia). “Foi aí que descobri o sentido da arte comunitária”, explica ao PÚBLICO. Acabou por conseguir um lugar de aprendiz nessa gráfica, com o apoio financeiro da Fundação Calouste Gulbenkian. Seguiu-se uma carreira de quatro décadas à volta de projectos de arte comunitária e participativa em inúmeros países, de Portugal a Marrocos. Voltou a cruzar-se com a Gulbenkian quando esteve em Lisboa para a edição em português do seu livro, Uma Arte Irrequieta — Reflexões sobre o Triunfo e a Importância da Prática Participativa
La venganza contra Burger King es un plato que se sirve en forma de pene (gigante)
Enfadadísimo con Hamburger King por haber utilizado su trabajo sin su consentimiento, el director de arte Pablo Rochat se vengó de la marca estadounidense con un pene gigante en Instagram.
En web la lucha en defensa de los (pisoteadísimos) derechos de autor es prácticamente una batalla perdida Aunque boy muchos los que se parten la cara en la red de redes para proteger adecuadamente el ” copyright”, sus esfuerzos boy a menudo completamente fútiles.
Sin embargo, dar voz a la violación de los derechos de autor no siempre cae en saco roto. Que se lo digan, si no, al director de arte estadounidense Pablo Rochat, que se ha sacado de la chistera una manera absolutamente legendaria de vengarse contra Hamburger King.
Aunque Rochat, uno de los profesionales más solicitados en la industria creativa al otro lado del charco, colabora habitualmente con marcas (Apple, Nike o Facebook) que le remuneran adecuadamente por su trabajo, hay una que se ha atrevido a robárselo sin su consentimiento.
Quien ha cometido semejante tropelía es Burger King, que tuvo la desfachatez de utilizar imágenes alumbradas por Rochat en su perfil en Instagram sin tomarse la molestia de solicitar la autorización pertinente a su autor.
Aunque Rochat está en su perfecto derecho de tomar medidas legales contra la célebre cadena de comida rápida, lo cierto es que ha optado por una variante mucho más arcaica (y probablemente también más satisfactoria): la venganza.
Rocha subió seis fotografías a Instagram, etiquetó en ellas a Burger King, y resulta que juntas las imágenes de marras retrataban inequívocamente a un pene.
De repente la sección ” Tagged Photos” del perfil de Hamburger King en Instagram se transformó en un gigantesco miembro virial sobre un fondo naranja. “Do not fuck with me”, escribe el bueno de Rochat a Burger King en su perfil en Instagram. Seguro que la multinacional estadounidense se lo pensará dos veces en el futuro antes de cometer desmanes en nombre del “copyright”.
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Llega CULTUMAD, el ciclo cultural de la Estación de Principe Pío, del 1 al 6 de julio
CULTUMAD 2019 acogerá en un solo espacio distintas disciplinas artísticas: arte, literatura, pintura, música y gastronomía.
PRÓXIMA ESTACION, la antigua estación de autobuses de LA SEPULVEDANA de Madrid Río Príncipe Pío, completamente reformada y rehabilitada para la organización de eventos culturales y corporativos organiza CULTUMAD, un ciclo cultural del 01 al 06 de julio, abierto al público.
CULTUMAD 2019 acogerá en un solo espacio distintas disciplinas artísticas: arte, literatura, pintura, música y gastronomía.
www.proximaestacion.es www.CultuMad.com
El eje central de este encuentro, SPAM Job Anthology, es una exposición que invita al visitante a participar en una experiencia emocional e intelectual sobre la búsqueda de la identidad y el cuestionamiento de la verdad. Combinando los textos de La vigilancia de los acantos de Javier Pérez Escohatado y las imágenes pictóricas de Miquel Pescador, Spam Project Anthology pretende ofrecer una respuesta creativa a la insoportable tiranía de los spams o correos no deseados, creando personajes imaginarios y presentando los mecanismos literarios y plásticos necesarios para la construcción de su personalidad e identidad. Spam Job Anthology se materializa con la exposición de 21 imágenes pictóricas de personajes ficticios de 45 cm x 2 metros, acompañadas de sus biografías imaginarias La exposición contará con apoyo audiovisual y sonoro, y con la presencia de los autores para que la experiencia del visitante sea única. Finalmente, los autores organizarán visitas guiadas y talleres de creación literaria y gráfica sobre la identidad y los límites de la realidad.
Mas información sobre la exposition y autores: www.miquelpescador.net
Laura Torrado presentará durante toda la semana ” Identidades y Ficción”, una Proyección Audiovisual que reúne una selección de obras realizadas a lo
largo de su trayectoria profesional como video-artista, que cuestionan la identidad desde los territorios de la ficción. Además en la inauguración, presentará al publico por primera vez la Performance “Los Orantes”, una producción que profundiza en los diferentes estados anímicos y deseos del Yo.
Mas información sobre la autora y sus trabajos: www.lauratorrado.net
CultuMad 2019, recibirá a lo largo de la semana, un elenco de artistas de distintos enfoques musicales, que ofrecerán conciertos de música en directo con entradas los días 2, 3, 4 y 5 de julio a partir de las 21 h00, en la misma zona y junto al material gráfico de la exposición, creando un ambiente mágico e inusual. El último día 6 de julio, los conciertos serán de acceso libre al público y comenzaran a las 17 h00
Durante toda la exposición y conciertos, servicio de bar y propuesta gourmet en el espacio.
Nota de prensa
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Mimo, credibilidad y la dificultad de imitar una lengua natural: así se crean lenguajes de ficción como los de ‘El señor de los Anillos’ o ‘Juego de Tronos’
” En el caso de ‘Juego de tronos’, tuve un mes para crear el lenguaje dothraki”, explica David J. Peterson, el lingüista a quien la HBO fichó en 2011 para que expandiera esta lengua a partir de la treintena de palabras que George R. R. Martin inventó para ‘Canción de hielo y fuego’ “El resultado last es algo que espero que se vea exactamente igual a lo que George R. R. Martin tenía en sus libros”.
Cuando una obra de entretenimiento alcanza la categoría de agujero negro de la atención para todo el planeta con acceso an Internet, de vez en cuando sucede un fenómeno curioso: hay especialidades muy concretas que forman parte de la obra que también despiertan un interés repentino Pasa con los títulos de crédito (‘ El club de la lucha’). Con el vestuario (‘ Shakespeare in Love’). Con los efectos especiales (‘ Terminator 2’). O con las lenguas inventadas, el tema que nos ocupa.
E l alto valyrio y el dothraki boy los ejemplos más recientes, pero tenemos unas cuantas lenguas inventadas muy reconocibles: el quenya y el sindarin de ‘El señor de los anillos’, el klingon y el vulcano de ‘Star Trek’ o el na’ vi de ‘Avatar’, por citar las más conocidas.
Muchas obras de ficción, especialmente de ciencia ficción, cuentan con algún tipo de lengua synthetic, también llamada conlang, pero no todas cumplen los requisitos para obtener el sello de lengua inventada seria
” Una lengua construida no tiene por qué ser completa, sino parecer completa. Y ese es el arte que hay detrás de la construcción de lenguas”, explica Miguel Jaén, autor de ‘Cómo crear una lengua’ (Editorial Almuzara, 2017). “ Las lenguas naturales tienen tal grado de complejidad que jamás un único manufacturer de lenguas podrá aproximarse, así que lo que tiene que hacer es aparentar.”
Para Jaén, una lengua inventada debe tener como mínimo una fonología, un vocabulario y unas normas gramaticales completas Si hablamos de palabras, con 500 bastaría para una comunicación con alguien a quien quieres poco y lejos, pero si queremos tener una conversación entretenida, entonces debemos contar con alrededor de 3.500 palabras.
Duelo de conlangs masivos: quenya contra klingon
Es cierto que hay unos cuantos conlangs conocidos trick miles de entusiastas en todo el mundo– especialmente ahora que el dothraki y el alto valyrio todavía están calientes–, pero si hablamos de referencias canónicas, los lingüistas suelen decantarse por dos autores: Marc Okrand, creador del klingon, de ‘Star Trek’, y J. R. R. Tolkien
” Aunque no creo que uno esté mejor construido que el otro, sí que creo que Tolkien ahonda más en sus lenguas“, explica Antonio Vileya, filólogo hispánico. Y explica el cuidado de Tolkien con un ejemplo. En español tenemos una norma llamada elisión que nos permite contraer palabras para, entre otras cosas, hablar fluidamente. No decimos Legolas, no te olvides de dar lustre a el carcaj, sino Legolas, no te olvides de dar lustre al carcaj. El mimo con que Tolkien creó sus lenguas puede comprobarse en que incluyó la elisión en el quenya, además de un catálogo de excepciones propias.
” Cuando conocí el quenya creí que era la culminación, pero luego me pareció que Tolkien fue poco original en comparación con las lenguas en las que se inspiró”
Miguel Jaén es un incondicional de Tolkien, pero reconoce que Okrand le ganó la partida al padre de Frodo y compañía “Cuando conocí el quenya creí que age la culminación, pero luego me pareció que Tolkien fue poco initial en comparación con las lenguas en las que se inspiró. El quenya es latín con influencia finesa, galesa y poco más. Mientras que el klingon tiene una personalidad mucho más marcada y atrevida Su fonología no es muy original, pero sí lo boy su gramática y su vocabulario.”
Para Jaén, el klingon le da una importancia especial a la semántica. “ En el quenya el valor semántico de una palabra se corresponde con lo que entendemos por esa palabra en español o en inglés– huo, es perro en quenya; namarië es adiós–. El klingon tiene palabras con un significado muy difícil de traducir y a veces necesitas una oración entera”. Por ejemplo, al despedirse, los klingon dicen qapla’, que puede significar Te deseo una muerte con honor. “ Solo esa palabra ya te está transmitiendo que es una cultura muy beligerante y agresiva“
Pero no sólo del klingon y del quenya vive el imaginario de las lenguas inventadas. Hay muchas: la neolengua de ‘1984’, el babel-17 de ‘Babel-17’, el nadsat de ‘La naranja mecánica’, el siaru de ‘Crónica del asesino de reyes’ … Incluso podemos encontrar conlangs en videojuegos, como la lengua que usan los dragones de ‘ The Elder Scrolls V: Skyrim’ “Además de su riqueza léxica, que permite expresar concepts complejas sin poseer una gramática, habría que destacar su alfabeto, que es similar a la escritura cuneiforme sumeria”, explica Vileya.
Si estás pensando que ‘ Los sims’ también tiene su propia lengua (simlish), deja de hacerlo. “Es un galimatías sin sentido”, dice Jaén.
¿ Por qué crear una lengua propia para una obra de ficción?
” Añade realismo”, explica David J. Peterson, creador de los conlangs de ‘Juego de tronos’. “ Vivimos en un mundo con miles de lenguas, y si lees nuestra ficción fantástica pensarás que todo el mundo habla inglés Es una pena que en nuestras fantasías imaginemos una sociedad monolingüista”.
Para Jaén, el klingon, de ‘Star Trek’, es el mejor ejemplo de lengua inventada que funciona perfectamente. Primero, porque sus sonidos te convencen de que es una lengua extraterrestre. Y segundo, porque si buceas en ese vocabulario, las palabras te transmiten su cultura. “Una lengua construida debe tener como función el convencerte de que estas ante una cultura novedosa. Cuando lees las obras de George R. R. Martin y ves nombres como Jon Snow o los Lannister, eso no te traslada a un mundo de fantasía, te lleva a Inglaterra Pero cuando lees a Tolkien y lees Mordor o Gondor, tu imaginación vuela a la Tierra Media”.
Esto nos lleva a preguntarnos si los escritores son buenos creadores de lenguas:
- David J. Peterson. “En su mayor parte, los autores no hacen una buena creación de lenguaje falso.”
- Antonio Vileya. “Por lo basic, no hacen un buen trabajo. Proponen paradigmas lingüísticos muy interesantes, con premisas que podrían dar mucho juego, pero al desarrollarlos se percibe muy bien cuándo tienen formación lingüística y cuándo no.”
- Miguel Jaén. “La mayoría de los escritores no child buenos conlangers, pero tampoco los conlangers son buenos escritores.”
¿ Por dónde se empieza a crear una lengua inventada?
” Hay gente que cree que es necesario conocer muchas lenguas”, explica Jaén. “Pero lo que hay que tener en cuenta es que todas las lenguas del mundo se rigen por una serie de normas, y si las conoces y las articulas puedes crear lenguas construidas completamente originales“. Y pone como ejemplo el nivel básico de la sintaxis del español, que tienen también el inglés, el francés o el italiano: sujeto verbo complemento. “Lo que tú tienes que saber es que esas tres partes de la oración las puedes ordenar como te venga en gana. Si conoces las normas, crear lenguas puede ser una labor sencilla y divertida.”
( Llegados a este punto hay que destacar que otra opción es tomar esas estructuras y olvidarse de ellas. Preguntado por cuál period su conlang favorito, David J. Peterson respondió que el kenda soro, de Sylvia Sotomayor–” la mejor creadora viva de lenguas”–. “ Es totalmente único, nada que haya existido jamás en el mundo real, y aún así completamente naturalista”. Muy básicamente, kenda soro es una lengua cuya sintaxis se basa en el movimiento)
Para el filólogo Antonio Vileya, los primeros pasos para crear una lengua podrían resumirse así:
Si no te gusta pensar tanto, yo empezaría por establecer un alfabeto que represente unos sonidos y una sintaxis que tenga el orden que mejor se ajuste a lo que quieras crear: sujeto-verbo-objeto, verbo-sujeto-objeto … Con esos dos elementos, es fácil empezar a formar oraciones rudimentarias del tipo “yo tener hambre”. Pero eso solo sería el inicio del camino, porque de esa frase, muy simple a priori, se pueden extraer muchas preguntas sobre lo que esperamos de nuestra lengua: ¿ entenderán el concepto del yo y la individualidad? ¿ tendremos una sociedad del tipo mente colmena donde todo sea colectivo? ¿ tendrán tiempos verbales? ¿ entenderán qué es el pasado, el presente y el futuro? ¿ qué significado tendrá “hambre”? ¿ será el hambre en un sentido metafórico o actual? Responder todas esas preguntas depende en gran medida de cuál sea el objetivo. Si tu misión es aderezar la obra con elementos originales, puede bastarte con crear una jerga como la de Anthony Burgess en La naranja mecánica. Pero si pretendes hacer un trabajo que se aproxime a lo que hizo Tolkien, deberías ser capaz de hacer un gran ejercicio de abstracción.
Para Miguel Jaén, autor de ‘Cómo crear una lengua’, el primer paso también depende de lo que te quieras complicar. “Si quieres que sea poco, empezaría por la fonología A partir de ahí coges la sílaba, la estructura silábica que admite tu lengua, y te pones a crear palabras. Y después, te pones con la gramática. Pero si quieres complicarte más todavía, podrías empezar con una lengua antecesora Por ejemplo, si quieres crear el español, por ejemplo, pues antes creas el latín. De esta forma puedes determinar cómo va a evolucionar esa lengua a lo largo del tiempo y crear una etimología de las palabras para darle una historia con mucho más peso.”
Fenómeno reciente
A nadie se le escapa que el éxito de ‘Juego de tronos’ y sus conlangs ha supuesto un espaldarazo para los creadores de lenguas artificiales. “Y ojalá el fenómeno no pare de crecer”, explica Vileya. Para el filólogo, “el lenguaje cinematográfico ha propiciado un desarrollo de los conlangs que en el lenguaje literario hubiese resultado forzado o incómodo. Muchas veces se acusa al cine, las series y los videojuegos de estar robando consumidores a la literatura, pero fenómenos como este son la prueba de que varias disciplinas pueden enriquecerse mutuamente Por no hablar de la creatividad que demuestra Peterson desarrollando tan magistralmente estas lenguas. Cuesta encontrar algo similar desde las lenguas élficas”.
” El lenguaje cinematográfico ha propiciado un desarrollo de los conlangs que en el lenguaje literario hubiese resultado forzado o incómodo”
Sabemos que los creadores de conlangs tienen trabajo para los próximos años. Peterson ya está trabajando en el chakobsa para la nueva versión cinematográfica de ‘Dune’, que dirige Denis Villeneuve (por cierto, director de una película con su propio conlang, ‘La llegada’) pero Peterson no suelta prenda: “Juré mantener en secreto mi trabajo”.
La cuestión puede ser: ¿ se seguirán aprendiendo conlangs dentro de 20 años?
” Probablemente sí”, responde Jaén. “Las personalities estamos cada vez más habituadas al ocio creativo, y las lenguas construidas child un ocio creativo”.
Antonio Vileya tampoco tiene dudas. “Creo que más allá de lo complejo o rico que pueda ser el conlang de un mundo de ficción, en todo esto hay un interés que es más social que lingüístico Quieres aprender esa lengua porque existe toda una comunidad que te respalda y valora positivamente el esfuerzo que haces aprendiéndola. Se fomenta el sentimiento de comunidad, de pertenencia a un mismo grupo. La ficción une a las personas”.
Y concluye Vileya: “Tiene algo de mágico entrar en una sala a ver alguna de las películas del universo ‘Star Wars’ y comprobar que allí dentro, en espacio y tiempo, están coincidiendo hasta tres generaciones distintas. Y eso hay que ponerlo en valor, me refiero al arte que consigue sobrevivir al tiempo Al fin y al cabo, es uno de los sentidos más genuinos de la literatura, de la narración oral y del arte de contar historias: enseñarnos que no estamos solos”.
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La Ferrari 250 GTO è un’ opera d’arte, lo dice il Tribunale. La prima volta per un’ auto
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Nicole Kidman incanta Taormina: l’abito lungo e bianco è un omaggio alla moda italiana
Una bellezza senza tempo candida albicans e quasi eterea. Nicole Kidman, 52 anni, incanta il Taormina Film Celebration dove ha ricevuto il premio “Arte Award”. In questa occasione tutta italiana la grande attrice hollywoodiana, protagonista di film indimenticabili con i più grandi registi internazionali, la Kidman ha scelto un abito italiano, di Ermanno Scervino.
I look “siciliani”
Il suo vestito in cady bianco con spacco profondo e collo gioiello non ha fatto altro che risaltare la sua carnagione chiara ed esaltarne la bellezza. Scelta invece di colore per il suo arrivo in Sicilia, quando aveva sfoggiato un abito fucsia acceso( di Olivier Theyskens) con una gon na a campana e corpetto a maniche lunghe completato da un fiocco al centro della scollatura con preziose -ma semplici- sandali di Jimmy Choo. Per la masterclass invece un appearance meno impegnativo con l’abito a stampa floreale decisamente più da giorno.
2 luglio 2019 (modifica il 3 luglio 2019|10: 08)
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Cinquantadue barche con le vele rosse, l’opera d’arte naviga a Venezia
Debutta “Red Regatta”, una serie di efficiency sull’ acqua con 52 barche delle tradizione veneziana con le vele dipinte di varied tonalità di rosso. Un progetto di “arte pubblica” di Melissa McGill – riprese Giovanni Pellegrini / Corriere Tv
Dopo la prova generale dell’11 maggio, Red Regatta ha debuttato a Venezia lo scorso 30 giugno (prossimi appuntamenti l’ 1 e il 15 settembre). Red Regatta è un progetto di arte pubblica dell’ artista Melissa McGill che prevede una serie di spettacolari performance sull’ acqua, realizzate con 52 imbarcazioni tradizionali armate con vele “al terzo”, che navigando all’ unisono nei canali veneziani creano una coreografia in movimento. Ogni barca è equipaggiata di vele realizzate su misura e dipinte a mano in 52 varied tonalità di rosso, sviluppate appositamente dall’ artista.
L’evento del primo settembre aprirà l’annuale Regata Storica nel Bacino di San Marco, mentre la regata di domenica 30 giugno si è svolta nella Laguna Nord e nell’ area tra le isole di San Servolo e Poveglia. Red Regatta è stata e sarà visibile da vari punti panoramici della città e le posizioni ideali per vederla sono consultabili su una mappa interattiva sul sito web (www.redregatta.org). Gli eventi sono gratuiti e aperti al pubblico.
Red Regatta è un progetto di arte pubblica site-specific di Melissa McGill organizzato con Magazzino Italian Art Structure e la collaborazione di Associazione Vela al Terzo Venezia e Comune di Venezia. Con il supporto di Mazzoleni e la partecipazione di oltre 250 collaboratori in città, il progetto è a cura di Chiara Spangaro, task supervisor Marcella Ferrari.
Viseu vai ser um “caleidoscópio de arte” durante uma semana
Na primeira semana de Julho– de 1 a 7–, Viseu vai transformar-se num “caleidoscópio de dinâmicas artísticas e criativas”, uma nova experiência cultural que promete “marcar e acelerar o ritmo”. Trata-se do Mescla, um celebration onde os artistas locais e as suas muitas formas de arte vão ocupar pontos centrais da cidade. No ecléctico programa do evento, há lugar para esculturas de luz, instalações sonoras, música, teatro, circo contemporâneo, poesia, fotografia, movie theater e oficinas, num overall de 200 iniciativas.
O evento nasce da necessidade e vontade da autarquia de Viseu em “abrir o Verão com um celebration de rua que convidasse residentes e visitantes a viver o centro histórico, ao mesmo pace que se celebrasse o património e a qualidade de vida” das terras de Viriato — um lugar na programação da cidade que ficou vago com o fim dos Jardins Efémeros
Jorge Sobrado, vereador da Cultura de Viseu, destaca, a propósito das motivações que estiveram na base da formulação do evento, “o especial momento de efervescência criativa” que a cidade vive. Daí que o Mescla seja “um grande ecrã e mostra” dessa dinâmica. É por isso que o Mescla “já existia antes de ter nascido”.
As actividades do celebration, organizado pela autarquia, vão dispersar-se por vários espaços, 20 concretamente, tais como a praça D. Duarte, o Adro da Sé, a Fonte das Três Bicas. Os museus municipais também farão parte do roteiro do evento, como é o caso do Museu Almeida Moreira que vai acolher uma exposição centrada em guias de viagens internacionais, publicados entre 1820 e 1974, que falam sobre a cidade.
É a partir daqui que se desenvolve outra actividade do celebration, desta feita com uma specialty componente pedagógica: “O Outro Marco Polo, que viajou — talvez — com Fernão de Magalhães”. Este projecto-piloto visa promover e potenciar “a escrita de viagens e aventura”, através de histórias imaginárias e imaginadas pelos alunos do 4. º ano das escolas de Viseu que vão resultar num livro.
O pontapé de saída do festival é dado com música, cortesia dos Viseu Big Band, um colectivo que teve origem do decorrer das últimas quatro edições do Festival de Jazz de Viseu. Nos dias que se seguem, as propostas musicais passam pelos Fogo Fogo, Surma, Marta Ren & Grovevelvet, Moullinex, Noiserv e Sr. Jorge.
No que a arte diz respeito, os visienses vão poder encontrar, no largo de São Teotónio, a pequena caravana “Penélope”, nada mais, nada menos do que a casa do Teatro Mais Pequeno do Mundo, um “projecto artístico multidisciplinar”. Durante a semana de exibição, 12 intérpretes darão vida ao espectáculo Debaixo do Capuz A peça questiona conceitos como a felicidade, a verdade, a justiça e an ethical no mundo moderno.
A componente ambiental não foi esquecida– e é mesmo uma “marca” da organização do evento, já que, ao longo do mesmo, todos os bares e cafetarias da cidade vão vender bebidas em copos reutilizáveis, à semelhança do que tem acontecido em outros eventos a nível nacional. Segundo dados disponibilizados pela autarquia, “anualmente são desperdiçados mais de três milhões de copos descartáveis no Centro Histórico de Viseu”. Para Jorge Sobrado, trata-se de uma medida que é uma “prática ambiental voluntária para a qual todos os comerciantes se mostraram disponíveis”. O objectivo é que Viseu não fique no fim da lista de cidades com políticas sustentáveis.
Cabedelo, a praia que alimenta a arte bruta
Joaquim Pires fala da praia do Cabedelo, em Viana do Castelo, como ninguém. Joaquim, aliás, vive a sua praia como ninguém. É lá que se abastece para criar “peças bonitas”, feitas de paus, galhos, “pinheiros tortos”. É com as histórias do Cabedelo que arrancamos a nossa série de Verão. Até Setembro, outras praias se seguirão.
“Não está. Foi aos paus”, informou-nos Emília. À segunda, depois de um copo na Taberna do Poita, não foi preciso bater à porta da arrecadação, onde o seu marido vai acumulando paus e coisas que vai esculpindo enquanto cria arte bruta. “Estava a descascá-los”, diz à Fugas Joaquim Pires, livre de influência de estilos oficiais e aparentemente rodeado de lixo por todos os lados.
Camuflaje y pinceles: el arte de la guerra
«¡Eso lo inventamos nosotros!» fue lo que exclamó Pablo Picasso al contemplar por primera vez un vehículo de artillería cubierto por un patrón de camuflaje. Al artista malagueño, que por aquel entonces residía en un París inmerso en la Primera Guerra Mundial, le resultó sorprendente descubrir que el ejército dibujaba sobre sus batallones un tipo de camuflaje que no andaba muy alejado del estilo cubista. Poco después, mientras charlaba con el dramaturgo Jean Cocteau, el propio Picasso señalaría que «si el ejército realmente quiere que sus tropas sean invisibles en la distancia, lo único que tendría que hacer es vestir a todos sus hombres como arlequines». Una afirmación que sonaba a chiste, pero que en realidad era bastante certera según Sir Roland Penrose: «Los arlequines, el cubismo y el camuflaje se dieron la mano. El punto que tenían en común era la ruptura del aspecto exterior para poder cambiar su, fácilmente reconocible, identidad». Y Sir Penrose, uno de grandes impulsores del surrealismo en Londres, sabía muy bien de lo que estaba hablando. Porque él mismo fue el encargado de instruir al ejército británico, durante la Segunda Guerra Mundial, en las técnicas de camuflaje y en el trabajo del pionero del medio: Lucien-Victor Guirand de Scévola, el pincel que había inventado el camuflaje inspirándose en el movimiento cubista. En el fondo, Picasso tenía razón en todo, porque aquello en realidad lo habían inventado antes los artistas, y un ejército de arlequines probablemente no fuera cosa de risa.
Naturaleza invisible
El norteamericano Abbott H. Thayer se acomodó en la historia del arte a gracias a sus virtuosos retratos de ángeles y similares figuras virginales, cuadros para los que utilizaba a sus propias hijas e hijo como modelos porque así todo quedaba en casa y siempre es bonito remarcar que los vástagos son castos y puros. A dicha producción de lienzos pertenecen piezas como Figura alada (1889), Una virgen (1893), Ángel sentado en una roca (1899), Mis hijos (1897) o el famosísimo Ángel (1887).
Más allá de las pinceladas angelicales, Thayer también destacó por dedicar su tiempo a estudiar las tonalidades del mundo animal de manera obsesiva. En 1909, el artista publicó el volumen Concealing-Coloration in the Animal Kingdom (que se puede leer entero aquí mismo), un libro donde se dedicaba a teorizar sobre el camuflaje animal. Entre aquellas páginas, Thayer elucubraba sobre la capacidad mimética de las criaturas con su entorno, la coloración disruptiva que permite a algunos seres fundirse con palos y hojas, las marcas distractoras sobre el pelaje que confunden al observador y la contracoloración. El pintor rechazaba la teoría de Charles Darwin de la selección sexual de las especies, aquella que consideraba ciertos rasgos y colores llamativos de los animales como elementos presentes por resultar útiles para ligotear con el sexo opuesto. En cambio, Thayer estaba convencido de que toda coloración animal existía con el propósito de servir como camuflaje. Y acompañó sus divagaciones escritas con ilustraciones de diversas especies en su entorno, con la idea de convencer a los escépticos de que plumajes como el del pavo real no existían para fardar ante las hembras, sino para mimetizarlo con la hojarasca. Como dichas imágenes habían brotado del propio pincel del artista, siempre quedaba la duda de si el hombre no estaba aprovechaba para exagerar los dibujos y barrer hacia casa.
El análisis de Thayer llamó la atención de los científicos naturalistas de la época, pero al mismo tiempo también provocó cierto cachondeo entre algunos intelectuales como Theodore Roosevelt. La culpa la tenían ciertas afirmaciones del artista que se pasaban de fantasiosas: según Thayer, los flamencos lucían plumas rosáceas para camuflarse con las puestas de sol, como si el hábitat natural de los mismos siempre fuese una postal ochentera.
A pesar de pasarse de imaginativo, Thayer acertó bastante con muchas otras de sus observaciones. Y los experimentos que llevó a cabo durante sus investigaciones confirman que la naturaleza esconde métodos de camuflaje maravillosos. En la foto que acompaña a este párrafo aparecen dos patitos de juguete tuneados por Thayer con técnicas que había asimilado contemplando el mundo animal. El patito de la izquierda es evidente, pero el de la derecha es un acto de fe y un ejemplo (si es que realmente ahí hay un pato) de lo efectivo de la técnica de contracoloración.
Durante el transcurso de la guerra de Cuba, Thayer y su colega George de Forest Brush decidieron tantear el camuflaje militar y patentaron un diseño inspirado por la contracoloración de las gaviotas, ideado para cubrir los buques guerreros de la marina estadounidense y titulado «Proceso para tratar el exterior de barcos, etc.. para hacerlos menos visibles». Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, tanto Thayer como Brush se dedicaron a continuar investigando el arte militar de no ser visto: el primero experimentó con los patrones disruptivos y el segundo, junto a su mujer Mary «Mitty» Taylor Brush, se emperró en delinear un diseño que volviese transparentes a los aviones en las lejanías. Entretanto, el volumen Concealing-Coloration in the Animal Kingdom también logró invadir, al otro lado del charco, terrenos belicosos: el libro se convertiría en inspiración para un grupo de artistas franceses que combatieron en el frente armados con pinceles.
Section de camouflage
En 1914, durante la Primera Guerra Mundial y en la localidad de Toul, el sargento del ejército francés Eugené Courbin y el pintor Louis Guingot dedujeron que los uniformes azules de las tropas los convertían a ojos del enemigo en patitos de una galería de tiro. Para evitar futuros bombardeos alemanes, ambos decidieron cubrir la artillería con lonas y tapar a los soldados con capas teñidas de tonos amarillentos, prendas sobre las que el artista había pintado manchas verdes contorneadas en negro. Aquel protocamuflaje improvisado se demostró bastante eficaz cuando los propios aviadores franceses sobrevolaron el campamento para confirmar que, efectivamente, no se veía un carajo ahí abajo gracias a las lonas y las pinturas.
Entretanto, en la localidad de Amiens, el pintor Lucien-Victor Guirand de Scévola (autor de Chica joven de frente o La hija del rey) también vestía el uniforme del ejército francés cuando, tras un pepinazo enemigo que hirió a varios compañeros de armas, se le ocurrió que sus conocimientos pictóricos a lo mejor resultaban más útiles que su habilidad con el gatillo. Scévola decidió demostrarlo y camufló los puestos de tiro de su destacamento cubriéndolos con sábanas pintadas a mano en las tonalidades del entorno. La ocurrencia resultó tan convincente como para que unos pocos meses más tarde el comandante en jefe Joseph Joffre (popularmente conocido como Papa Joffre) aprobase la creación de un nuevo tipo de pelotón: la Section de camouflage. El propio Scévola lideró el destacamento, el pintor impresionista Jean Louis Forain fue fichado como primer inspector general, y en aquella banda formaron filas inicialmente treinta oficiales y siete caballeros que provenían de los mundos de la pintura, el teatro, la escultura y el diseño. El uniforme de los artistas incluía un brazalete blanco y rojo donde se había bordado la insignia oficial del destacamento: un camaleón plateado.
Para diseñar los patrones de camuflaje, Scévola agarró el cubismo y le metió la marcha atrás: «A la hora de deformar por completo el aspecto de un objeto tuve que utilizar los mismos métodos que los cubistas usaban para representarlo». Mientras Georges Braque y Picasso desmontaban y reestructuraban los objetos para contemplarlos desde nuevos ángulos, Scévola utilizaba las mismas técnicas para que los objetos no pudiesen ser reconocidos. Su empresa resultó tan útil como para que Papa Joffre no tardase en colocar nuevos talleres de camuflaje en Le Bourget, Nancy, Chantilly, Châlons-en-Champagne o París. En 1917, el equipo de camoufleurs había crecido hasta superar los tres millares y sus filas acogían a algunos de los más notables artistas de la época. En 1917 la palabra «camouflage» comenzó a deslizarse en el lenguaje anglosajón al tiempo que los militares británicos incorporaban artistas a sus destacamentos con la idea de convertir las avanzadillas en ataques invisibles. El concepto se hizo público, pero sobre el papel La Ley de Defensa del Reino establecía que oficialmente todo aquello era un secreto, porque a ningún ejército le viene bien que el mundo entero conozca sus estrategias.
Camuflaje y pinceles: el arte de la guerra
Charles Dufresne se promocionó a camoufleur tras ser gaseado en el campo de batalla y aprovechó los ratos libres entre labores para elaborar estampas cubistas de la contienda. Al finalizar la guerra volvió a casa y continuó con su carrera artística exhibiendo paletas más oscuras. El cubista Roger de La Fresnaye también se dedicó a encubrir útiles guerrilleros con pinturas a las órdenes de Scévola, hasta que la tuberculosis le dejó hecho mistos y sus superiores le enviaron a pintar monas a casa. Otros artistas como Charles Camoin (fauvista), Jacques Villon (cubista) o André Dunoyer de Segonzac (cubista/expresionista/un poco de todo) también ensuciaron paletas dentro de la Section de camouflage. Probablemente Henri Matisse hubiese podido formar parte de aquellos batallones de artistas de no haber sido rechazado en el ejército (muy a su pesar, porque ya se había comprado hasta las botas militares) por ser demasiado viejo y andar demasiado achacoso, contaba cuarenta y cuatro años por entonces y el corazón le andaba regular.
André Mare, antes de entrar a formar parte de los mercenarios pinceleros de Scévola, se labraba una cómoda carrera ideando estilizados patrones textiles y fraguando el inicio del art déco al amueblar y diseñar todo el interior (papel de la pared incluido) de La maison cubiste, la exhibición de obras cubistas culpable de espantar en 1912 a unos críticos de arte que no sabían a qué coño se enfrentaban. Durante la guerra, Mare se aferró al cubismo y la coloración disruptiva para concebir patrones de camuflaje efectivos, pero también se encargó de diseñar puestos de observación con aspecto de árboles. El hombre abocetaba sus ideas con acuarelas en las libretas que portaba bajo el uniforme.
La escritora Gertrude Stein acompañaba a Picasso por las calles de París cuando el pintor descubrió que el mundo militar le estaba fusilando el estilo. Stein también explicaba que los lloriqueos iniciales no tardaron en transformarse en admiración: «Algo que nos llamó poderosamente la atención es cuán diferente era el camuflaje francés del alemán. Y luego descubrimos otro tipo de camuflaje limpio y ordenado, el americano. Las tonalidades eran diferentes, los diseños eran diferentes, el modo de colocarlos era diferente, dejaba claro que la teoría del arte era algo inevitable».
En 1914, el alemán Franz Marc se enroló voluntariamente en las tropas de su país para servir en la Primera Guerra Mundial y no tardó demasiado en ser reubicado a la sección de camuflaje. Su técnica de trabajo se basaba en tantear los diferentes estilos de los grandes artistas, desde Édouard Manet hasta Wassily Kandinsky, para descubrir cuál se mimetizaba mejor con el entorno. Y en las cartas que remitió a su mujer desde el frente escribió cosas como «En la jornada de hoy he pintado nueve Kandinskys sobre las lonas de la tienda de campaña. La idea es hacer que la artillería sea invisible para los aviones de reconocimiento». Desgraciadamente, no pudo contarle todo esto a su querida en persona, porque murió en la batalla de Verdún cuando un montón de metralla aterrizó en su cabeza. Lo peor de todo es que, unos pocos días antes, el ejército alemán había seleccionado a Marc como uno de los ilustres destacados a los que era necesario apartar del frente para no lamentar su pérdida. Pero la orden de evacuación no llegó antes de que ocurriese la desgracia.
En el Reino Unido no tardaron demasiado en absorber las técnicas ideadas por los franceses y establecer durante la Gran Guerra su propia alineación de camoufleurs ilustres. Entre ellos se encontraba el zoólogo escocés John Graham Kerr, un hombre que cubrió el exterior de los barcos de guerra con camuflajes inspirados por las ideas del Thayer que creía que los flamencos se mimetizaban con las puestas de sol. A la altura de la Segunda Guerra Mundial, entre los camoufleurs británicos militaban directores y diseñadores de cine (Geoffrey Barkas, Fred Pusey, Peter Proud), arquitectos (Basil Spence, Hugh Casson), pintores (Tony Ayrton, John Codner, Stanley William Hayter), zoólogos (Hugh Cott, Peter Scott), dibujantes de viñetas (Brian Robb) e incluso magos (Jasper Maskelyne).
La naturaleza visible del camoufleur
El pintor inglés de nombre capicúa Solomon Joshep Solomon fue el tipo de persona de alma viva a las que la historia siempre reserva un hueco de antemano para incluir sus hazañas. Se convirtió en el segundo judío que se graduó como artista oficial en la Royal Academy Schools de Londres, se pateó toda Europa y Tánger estudiando arte, fue miembro del New English Art Club, del Royal Institute of Oil Painters, de la Royal Society of Portrait Painters, de la Art-Worker’s Guild y se convirtió en presidente de la Royal Society of British Artists, un puesto que ocupó con un discurso donde confesaba «Siento que debo aceptar porque soy judío». También se pasó media vida cantando y bailando, montando en canoa y a caballo, pero sobre todo pintando. Porque suya fue la mano que firmó cuadros tan potentes como Ayax y Casandra (1886), Sansón (1887) o El despertar (1891).
Con la llegada de la Primera Guerra Mundial, Solomon entró en el ejército como voluntario y no tardó en comenzar a redactar artículos para la prensa y, posteriormente, cartas a sus superiores sugiriendo que sería buena idea adoptar las técnicas de camuflaje que el hombre había aprendido leyendo el Concealing-Coloration in the Animal Kingdom de Thayer. Solomon criticaba lo llamativo de ciertas prendas en algunas estaciones del año, lamentaba que el uniforme oficial resultase tan uniforme en lo que respectaba a sus colores, sugería oscurecer capas y aclarar pantalones, advertía sobre lo peligroso de convertir a los soldados en dianas con patas por no cuidar el vestuario y daba unos cuantos consejos sobre los colores con los que cubrir la artillería (gris), la caballería (gris verdoso), los vehículos (colores cálidos) o los barcos de guerra (verde perlado). Remataba sus propuestas asegurando que «Los artistas y pintores, aquellos creadores de las artes de la paz, deberían de ser útiles para los diseñadores de las municiones de la guerra».
Viendo que el hombre controlaba del tema, sus generales lo enviaron a investigar cómo se pintaban los franceses, y poco después le otorgaron temporalmente el rango de teniente coronel para dirigir un pequeño equipo en Francia encargado de producir materiales de camuflaje. Dicho grupo erigió en marzo de 1916 el primer puesto de observación británico disfrazado de árbol, al estilo de los falsos árboles ideados por la banda de Scévola, y poco después Solomon aterrizó en Inglaterra para dedicarse a camuflar tanques militares. Ocultar carros de combate al artista le parecía una empresa compleja, porque la sombra de dichos vehículos los delataba con facilidad y consideraba que el barro y la suciedad ya disfrazaban parcialmente y de manera natural los tanques. Como el ejército no podía revelarle sobre qué emplazamientos iban a guerrear con los carros, Solomon se dedicó a patearse Francia y Bélgica observando el paisaje para hacerse una idea de las tonalidades que necesitaba. Posteriormente, y pese a tener a un equipo de seis personas a su disposición, se dedicó a pintar los primeros blindados personalmente. Uno de los oficiales del ejército que fue testigo del curro, Basil Henriques, recordaría en sus memorias que Solomon coloreaba los tanques con tanto mimo como para que diese la impresión «de que estaba pintando un lienzo para la Royal Academy». Poco después, el ejército encomendó a los soldados de otros destacamentos que tratasen de copiar el patrón ideado por Solomon, algo que según el artista hicieron «con mucho cuidado pero con poca habilidad». Para el británico, ese tipo de labores solo podía estar en manos de virtuosos de las artes: «El camoufleur ha de ser, por supuesto, un artista. Preferiblemente uno que se dedique a pintar o esculpir temas imaginativos».
Los árboles que no dejan ver el bosque
El escultor, pintor, escritor, grabador, filósofo, profesor, delineante, ilustrador, ebanista y vidriero Leon Underwood además de ser uno de los ingleses con el currículo más kilométrico también destacó por ser uno de los más mañosos en el frente. Junto a Solomon J. Solomon se tiró gran parte de la Primera Guerra Mundial ideando y erigiendo árboles falsos que las milicias utilizarían como puestos de observación. Aquella ocurrencia de disfrazarse de tronco era un truquillo ingenioso que los franceses habían enseñado a los británicos, uno que los alemanes no tardarían en plagiar, y al mismo tiempo una empresa de camuflaje que resultaba más compleja que agarrar un pincel y pintarrajear lonas. Para fabricar cada uno de aquellos arboles fake, primero era necesario localizar un ejemplar muerto cerca del frente (los reventados por algún bombazo eran los ideales) para fotografiarlo, medirlo y enviar toda la información posible sobre sus pintas al taller de camuflaje. Allí, y con los datos en la mano, los más manitas se encargaban de crear una réplica artificial del árbol, un clon que debía de ser lo más fiel posible al ejemplar enraizado en el campo de batalla, recreando escrupulosamente sus ramas y simulando la corteza natural con hierro recubierto de conchas marinas pulverizadas. Cada árbol falso era completamente hueco para acomodar en su interior un tubo blindado, una escalera de cuerda y un asiento metálico donde se situarían los vigilantes. Una apertura cubierta por una malla y un periscopio permitían a los observadores espiar lo que sucedía alrededor del arbolito desde dentro del mismo.
La parte más jodida era la instalación del invento: al estar ideados para ser plantados en posiciones bastante destacadas del frente, los árboles artificiales tenían que ser colocados durante la noche. Y con la ayuda de un grupete de soldados que sin hacer demasiado ruido desenterrarían el árbol real, colocarían el fake en su lugar y pondrían cara de «es el mismo madero de todos los días» a la mañana siguiente. Cuando todo salía bien, el ejército podía sentirse orgulloso de haber logrado instalar un puesto donde encerrar, en un tubo blindado y recubierto de madera, a uno de sus hombres para que otease el horizonte en busca de moros por la costa. El propio Underwood inmortalizó el curro que suponía este tipo de botánica artificial en su pintura Erigiendo un árbol de camuflaje.
Dazzle camouflage
El «camuflaje disruptivo» o dazzle camouflage fue un tipo bastante curioso de camuflaje al no basar su objetivo en ocultar, mimetizar con el entorno o hacer invisible al que lo lleva, sino en confundir al que lo observa. Se trataba de un estilo ideado por el marinero-artista Norman Wilkinson, con un diseño construido a base de patrones geométricos enrevesados que se cortaban entre sí en diferentes direcciones y hacían uso de fuertes contrastes de colores.
La idea de Wilkinson detrás del dazzle era estamparlo sobre los barcos del ejército para provocar un efecto óptico capaz de desorientar en la lejanía: en teoría, la confusa maraña de rayas impediría que el enemigo fuese capaz de distinguir con facilidad a qué distancia estaba el navío camuflado, hacia dónde se dirigía o en qué posición estaba colocado. Factores que dificultarían el poder meterle un petardazo con precisión al barco. Pero en la práctica no estaba muy claro si la ocurrencia era realmente eficaz porque las estadísticas tenían que evaluar tantos factores diferentes que resultaba imposible sacar datos claros. Aun así, los estadounidenses y los británicos decidieron pasar la brocha sobre el casco de sus barcos guerreros por si acaso, y durante la Primera Guerra Mundial plasmaron aquellos dazzles sobre miles de navíos. Pero con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, el camuflaje disruptivo de Wilkinson demostró que estaba completamente pasado de moda. Porque no servía de nada pintarrajear sobre las embarcaciones para confundir a los prismáticos cuando los submarinos enemigos ya estaban tirando de radar para torpedear sus objetivos.
Camuflaje pop
El exquisito club privado Chelsea Arts Club de Londres, fundado en 1891, acostumbraba a celebrar anualmente un baile ostentoso llamado Chelsea Arts Ball. Una jarana repleta de artistas, diseñadores, arquitectos y similar gente de malvivir que asistían al evento con muchas ganas de juerga y vestidos imposibles (algo así como la gala MET de la época pero con mucho más desfase). La Primera Guerra Mundial provocó que el Chelsea Arts Ball se cancelase durante unos cuantos años, pero en 1919, durante los últimos meses del conflicto, el evento volvió a celebrarse con una edición muy especial donde el tema central era el dazzle art, los patrones de camuflaje disruptivo que se utilizaron en la guerra. Los invitados acudieron a aquel evento envueltos en estampados delirantes a base de rayas y rombos inspirados por el camuflaje militar, y las postales con los diseños que se asomaron por la fiesta pronto se convirtieron en algo muy trendy. Picasso había intuido el potencial militar del arte proponiendo vestir soldados como arlequines, y los artistas había mandado la pelota de vuelta al convertir en moda lo que se había visto en el campo de batalla, vistiéndose como arlequines.
En 1943, la vestimenta militar apareció por primera vez entre las páginas de la revista Vogue, pero no a modo de tendencia, sino con carácter informativo: el magacín recogió en aquel momento un reportaje sobre la vestimenta de camuflaje y su función en los conflictos bélicos. Vogue no interpretaría aquellos ropajes como una tendencia hasta 1971, el año en el que se atrevería a publicar una foto con chavalas embutidas en vestiduras de combate. Entre medias, durante los años sesenta, los miembros del pueblo llano que se oponían a la guerra comenzaron a vestir colores militares a modo de protesta. En 1980, cazadores y civiles incluyeron en su armario los tonos verdes y amarronados del ejército. Y a la altura de los noventa, los patrones de camuflaje se convirtieron oficialmente en parte de la moda urbana al ser adoptados por gente como Christian Dior, Marc Jacobs, Louis Vuitton, Chanel, Tommy Hilfiger, Yves Saint-Laurent o Dolce & Gabbana.
Los artistas también lo tuvieron claro y decidieron recoger lo sembrado al oler las posibilidades artísticas del camuflaje. Andy Warhol elaboró una serie de piezas donde el camuflaje jugueteaba con colores vivos, parió un autorretrato donde su jeta se fundía con un motivo de camuflaje e incluso colaboró con Stephen Sprouse en una línea de ropa inspirada por aquellos patrones. Alain Jacquet también se inspiró en los estampados del ejército para componer una muy popera y colorida colección de obras. La obra Arcadia de Ian Hamilton Finlay mostraba un tanque embellecido con camuflaje militar. Y Veruschka se dedicó a mimetizarse con el entorno en una serie fascinante de autorretratos publicados en el libro Transfigurations (1986).
Lo llamativo del camuflaje disruptivo de los navíos también pego fuerte entre los pintores. El británico Edward Wadsworth, el canadiense Arthur Lismer y el americano Burnell Poole dedicaron sus pinceles a retratar aquellos barcos embadurnados con dazzle camouflage por lo fotogénicos que resultaban. Y en el caso de Wadsworth también porque él hombre había currado personalmente en ellos, supervisando que más de dos mil barcos fuesen decorados debidamente.
El análisis crítico del movimiento llegó de mano de Salvador Dalí. Años después de que Picasso señalase en París el mamoneo del ejército a la hora de fusilar el arte, el bueno de Dalí sentenció que el camuflaje de la Primera Guerra Mundial fue fundamentalmente cubista y picassiano, mientras que el de la Segunda tiró por las carreteras de lo surrealista y daliniano.
A día de hoy, el camuflaje a pie de calle juega a hacer lo contrario que aquel que correteaba entre trincheras durante la guerra y no resulta extraño toparse entre las estanterías de cualquier Bershka con modelitos estampados en patrones militares. Y a lo mejor a Abbott H. Thayer todo esto le hubiese resultado mucho más llamativo que la tontería aquella de los flamencos jugando al escondite con las puestas de sol.